Эдвард Мунк – парадоксальный художник. Эдвард краски


Новости - Benjamin Moore

24.10.2016. Долой осеннюю депрессию. Для вас мы открыли ЕЩЕ ДВА!! Новых магазина!

Заходите к нам! Раздел "ГДЕ КУПИТЬ" подскажет, где мы находимся!

 

26.09.2016. Скидки 10% в новом магазине.

Нащи краски стали ещё ближе. Теперь продукцию компании Benjamin Moore можно приобрести в МФТК "Каширский двор" по адресу г.Москва, Каширское шоссе, дом 19, второй этаж, павильон 2-С108. До 15 октября в новом магазине скидки на всю продукцию 10%. Мы ждем вас!

 

09.03.2016. Benjamin Moore в "Идеальном ремонте"

Наша компания приняла участие в передаче "Идеальный ремонт". В выпуске, красками Benjamin Moore были окрашены помещения для известного советского и российского поэта  Николая Зиновьева. Данный выпуск вы можете посмотреть перейдя по ссылке

 

01.02.2016. Benjamin Moore Natura Renew™ 

Benjamin Moore все больше заботится об экологии с Natura Renew™ - первой биовосстанавливаемой краской премиум класса

Benjamin Moore & Co – первая компания, производящая принципиально новый вид экологически чистой краски с отличными свойствами.

MONTVALE, NJ — Февраль 18, 2014 - Benjamin Moore & Co. – одна из наиболее признанных североамериканских производителей лакокрасочной продукции, - представила свою новейшую разработку:  Benjamin Moore Natura Renew  - экологически чистую, биовосстанавливаемую краску класса премиум.  Natura Renew – стойкая краска на растительной основе, первая в своем классе инновационных экологичных красок. Увидевшая свет впервые в самом экологически благоприятном регионе США,   Natura Renew теперь доступна в розничной сфере ряда предприятий и вскоре появится в магазинах по всей стране.  

Посредством красок Natura Renew компания Benjamin Moore удовлетворяет потребности покупателей на растущем рынке товаров и услуг для здорового образа жизни и экологии. Данный рынок оценивается в 290 млрд долларов, из которых 100 идет на «зеленое» строительство. Исследования показывают, что в Америке каждый четвертый опрошенный выступает за инновационные товары и услуги.

Как отмечает Майк Сирлес, генеральный директор Benjamin Moore & Co.: «Мы очень воодушевлены идеей продолжения истории нашей компании в роли пионера – производителя экологически чистых красок класса премиум. Размеры и темпы роста данного рынка показывают, что более экологически чистые и безопасные для окружающей природы товары крайне интересуют покупателей, дизайнеров и архитекторов. С Natura Renew мы можем предложить самым взыскательным клиентам подлинно экологичную в использовании краску сохранением превосходных рабочих свойств, цвета и стойкости. Такой прорыв в инновациях, доступный в нашей сети независимых дилеров, - отличительная черта Benjamin Moore».

 

Natura Renew, почти на 40% состоящая из возобновляемых материалов, представляет собой продолжение серии красок Natura® - наиболее экологически чистых и безопасных среди красок Benjamin Moore. Она долговечна и легко наносится. Краска доступна в большом количестве оттенков разной степени матовости. Разработана совместно с DSM - лидером в научной отрасли экологии. Natura Renew – первый продукт на рынке экологичных красок со слабовыраженным запахом, созданных на основе растительных возобновляемых материалов. 

 

06.10.2015. ЦВЕТ ГОДА 2016

Benjamin Moore объявила о цветовых тенденциях 2016 года. Цветом года стал SIMPLY WHITE, OC-117. Познакомиться с тенденциями 2016 года можно по указанной ссылке.

 

02.10.2015. МЕЖДУНАРОДНЫЙ САММИТ ДИСТРИБЬЮТОРОВ

С 29.09.2015 по 1.10.2015 в генеральном офисе компании (город Монтвейл, штат Нью-Джерси) проводился Первый Международный Саммит дистрибьюторов Benjamin Moore. В мероприятии приняли участие представители из 45 стран.

 

 

 

 

 

edwar.ru

Акварельная живопись — Artrue

Почему картин, нарисованных акварелью гораздо меньше чем масляных или темперных шедевров? Разбираемся.

Раннее утро. Уильям Тёрнер.

Акварель

В изобразительном искусстве термин «акварель» описывает краску, создаваемую путем смешивания цветовых пигментов и воды. Изначально в качестве связующего вещества был костный клей или сахар, в наше время это гуммиарабик. Кроме того, при создании акварельных красок используются различные добавки (например, мед и глицерин) в целях создания различных эффектов, будь то насыщенность или придание иных физических свойств. Зачастую акварель наносится на белую бумагу или картон, хотя в качестве носителя может выступать холст, кожа или папирус. Подобные краски сохнут гораздо быстрее масляных или темперных, что обуславливается их составом. При регулярном воздействии света цвета акварельных работ тускнеют, нанося произведениям непоправимый ущерб.

Цветы. Врубель.

Акварель — весьма универсальное средство живописи, во многом, благодаря его применимости на различных поверхностях. В современных музеях можно найти массу поразительных примеров акварельных работ на бумаге, в рукописях, картах и миниатюрах.

На протяжении тысяч лет акварель доминировала в китайском и японском искусстве, а в западном зачастую использовалась для создания подготовительных эскизов. 19 столетие можно назвать золотым веком акварельной живописи, во многом, благодаря английской школе пейзажа, сделавшей акварель серьезной и независимой. Среди известных акварелистов из Англии следует отметить Уильяма Тернера, Томаса Гёртина, Джона Констебля. Кроме того, сотни красочных работ с использованием этих красок создавали и европейцы, в том числе Эгон Шиле, Джон Марин, Уинслоу Хомер и другие.

Обнаженная. Шиле.

Список заметных акварелистов 20-го столетия включает в себя модерниста Пауля Клее, экспрессионистов Рауля Дюфи, Томаса Икинса, Лионеля Фейнина, а также русского художника-абстракциониста Василия Кандинского.

Техника

В «чистой» акварельной живописи не применяется белый цвет. Вместо него используются неокрашенные участки поверхности, на которой создается работа. Смешанная с водой акварель отлично подходит для минимизации видимости отдельных мазков кисти или создания больших участков работы со схожими цветами (например, голубого неба).

Уильям Тернер. Гора Риги.

Очень мало акварельных картин так же известны и популярны, как их конкуренты в других техниках. Именно недолговечность и быстрое выцветание таких произведений очень быстро сводят на нет все усилия автора. Именно поэтому ведущие художественные музеи мира обычно демонстрируют свои коллекции акварелей в течении ограниченных периодов времени. Помимо этого, большинство подобных трудов созданы на бумаге или картоне — материалах, более склонных к распаду и разрушению, чем холст или деревянная панель. В итоге большинство акварельных шедевров просто не выдерживают испытания временем.

Красные маки. Эмиль Нольде.

artrue.ru

Читать онлайн "Краски вне линий (фанфик Сумерки) (ЛП)" автора WinndSinger - RuLit

Я на секунду встала, чтобы убрать со стола пару тарелок, когда Эдвард взглянул на меня.

– Ты в порядке? – спросил он любезно, – Ты что-то тихая.

– У меня… голова болит, – сказала я и сразу же пожалела. Теперь у нас точно сегодня не будет секса. Я ТАКАЯ дура.

Я вернулась за стол и села, злясь на себя за свои слова. Но я не могла забрать их обратно.

– Теперь ты, – Эдвард улыбнулся и взял меня за руку, – Как колледж?

– Прекрасно, – усмехнулась я, – Я так удивилась. Он просто огромный.

Все ждали, пока я продолжу.

– Как зовут твоего учителя? – полюбопытствовала Кэти.

– О, у меня много учителей, – сообщила я, – В колледже много разных занятий, и по каждому свой учитель.

– О, клево, – она выглядела удивленной.

– Ну, тебе понравилось? – спросил Эдвард с надеждой.

– Да, мне понравилось, – признала я, – Все были очень милы со мной.

– Милы с тобой? – Эдвард выгнул бровь, – И парни были милы с тобой?

Я посмотрела на него и слегка фыркнула,

– Нет, Эдвард, это колледж для монашек.

Бен хихикнул на мое замечание, но Эдвард внезапно посерьезнел. Бен тут же замолк, когда Эдвард сердито посмотрел в его сторону.

– Там не было никаких парней, если ты об этом спрашиваешь. НИКАКИЕ мужчины меня не интересовали, – бросила я Эдварду, не боясь посмотреть ему в глаза.

Я принялась убирать пустые тарелки со стола. К счастью, Бен с Анджелой не вмешивались в наш разговор.

Эдвард вздохнул, когда я пошла на кухню и встала у плиты, где он не мог меня видеть.

Я слышала, как Кэти и Анджела у стола говорят о том, что Кэти пора в ванну.

– О, ПОДОЖДИТЕ! – я услышала, как Эдвард встал, со скрипом отодвигая стул, – Я первый в душ!

Спасибо тебе, Господи, за маленькие радости, сказала я про себя. Я не могла поверить, что он собирается сесть за стол, когда он него так пахнет. Должно быть,он был жутко голоден. Но всё равно, сначала он должен был привести себя в порядок. Хотя я видела по его глазам, что он сильно устал.

Я мыла тарелки, пока Эдвард был в душе, и самым безобразным образом вывернула горячий кран на полную, таким образом, воруя горячую воду у Эдварда. Я слышала, как он негромко вскрикнул, когда на него полилась ледяная вода. Я такая жестокая. Зачем я это делаю?

Ах, да, я хочу секса.

Это не способ получить его, Белла! Все внутри меня снова сжалось. Я хотела сейчас, чтобы холодной водой окатили МЕНЯ!

Раз или два я услышала, как Эдвард ухает и ахает в душе, и чуть не хлопнулась на пол. Я хотела пойти и сделать ему сюрприз – шагнуть к нему под душ и вымыть его. Но я не смогла.

Бен смотрел какое-то спортивное шоу по телевизору, а Анджела ушла с Кэти в ее комнату, чтобы выбрать одежду на завтра. Я была рада, что осталась одна. Мытье тарелок было хорошей терапией, оно зачастую встряхивало меня и не давало грустить.

Кэти вошла и спросила у меня, подойдут ли джинсы к блузке, которую она держала. Улыбнувшись я сказала:

– Джинсы подходят ко всему, вот почему они такие ПОТРЯСАЮЩИЕ!

Она была удовлетворена моим ответом, и снова пошла к Анджеле.

Мне не хватало Элис. Я не была модницей, чтобы давать такие советы. И Розали мне не хватало тоже. Они смогли бы дать мне какой-нибудь классный совет по поводу наших с Эдвардом проблем. Я бы хотела, чтобы у меня была подруга, чтобы поговорить с ней прямо сейчас, рассказать ей все свои маленькие грустные тайны, чтобы… Забавно, когда у меня были подруги, я не рассказывала много. Но теперь, когда их не стало,… я постоянно хотела поговорить. Я почувствовала слезы на глазах, когда вспомнила об Элис и Розали, сморгнув их, я услышала, как в душе закрылся кран.

– Мы всегда будем подругами! – я еще слышала, как Элис говорит мне это… и вспомнила, как мы обнимались с ними в ту ночь, когда спали вместе, все одетые в теплые флисовые пижамы. Я до боли сжала губы, пока чистила металлической мочалкой котелок.

Бен бормотал что-то пренебрежительное в телевизор, и я чуть не засмеялась, подумав о Чарли. Он бы делал то же самое. Я хотела позвонить ему – НЕТ – я хотела УВИДЕТЬ и обнять его, и никуда не отпускать. Я вспомнила его резкие слова, когда он лежал в больнице, пытаясь убедить меня остаться с ним. Он говорил ужасные вещи, в которые я не хотела верить, но теперь эти слова надсмехались надо мной.

– Он не по-настоящему любит тебя, – сказал тогда Чарли, – Он думает, что любит тебя, потому, что ты его лечишь. Это не настоящая любовь, Белла! А ты думаешь, что любишь его, потому что он показал тебе несколько новых трюков и заставил почувствовать их впервые,… но брак – это больше, чем просто классный секс, Белла!

Я закрыла глаза и заставила себя прекратить вспоминать об этом. Я решила, что позвоню по одному из номеров, которые юрист дал мне сегодня. Мне нужно было кое-что узнать. Мне нужно было спросить у полицейских, может, они разрешат мне позвонить. Я верила, что разрешат. Это – терапия, они не могут мне отказать! Чтобы по этому поводу сказал Эдвард?

Дверь в ванную открылась, и пар вырвался наружу, окутывая Эдварда. Он выглядел счастливым. На нем была белая футболка и серые шорты. Они были хлопковые, не обтягивающие, и доходили ему до колен. Я все еще наслаждалась видом,… какие милые маленькие безволосые коленки. Его ноги были такими мускулистыми, но не слишком. Они были идеальными,… а его голые стопы!

Его мокрые волосы были зачесаны назад, и одна тонкая прядь свисала на лоб. У меня почти потекли слюни.

Я собиралась сказать ему что-нибудь, он взглянул на меня в ответ, и его глаза светились счастьем.

И затем на него набросилась Кэти.

– ПАПА! – она почти уронила его, – Сколько можно! Я ждала тебя целую ВЕЧНОСТЬ!

– Прости, малышка, – он схватил ее за хвостики, накручивая их на пальцы, – Что ты делаешь?

– Пытаюсь выбрать одежду на завтра!

– О, хорошо, тогда возьми меня с собой! – он пошел за ней, говоря, – Я просто волшебник в выборе одежды!

– Я знаю! – Кэти снова увела его,… и я пошла смотреть телевизор с Беном.

Надо врезать ей в дверь замок и как-нибудь «случайно» закрыть ее там.

– Привет, Бен, – вздохнула я, плюхаясь рядом с ним, разглядывая баскетболистов в телевизоре, не слишком понимая, что там происходит.

– Привет, девочка, – он усмехнулся, – Какое у тебя грустное лицо…

Я попыталась улыбнуться, чтобы скрыть это. Но Бен был не дурак.

– Я знаю этот взгляд, – он сдавленно усмехнулся, – Эдвард впал в немилость.

– Нет, это не так…

– Да, да, – оборвал он меня, махнув рукой, – Я давно женат, я знаю, не надо мне рассказывать.

Я нервно засмеялась.

– Все наладится, Белла, – он пытался успокоить меня, – Все мы привыкаем к новому месту, пытаемся нащупать баланс. Эдвард и Кэти так долго жили порознь,… я знаю, это трудно принять,… я был лишним, когда Таня была маленькой. Они с мамой были все время вместе,… одевались,… причесывали друг друга,… я понимаю, каково это – время от времени чувствовать, что тебя бросили. Вам надо проводить время вместе, вам обоим. Иначе ничего не наладится. Уходите , гуляйте вместе,… просто проводите время.

Я хотела сказать: «Я люблю тебя, Бен», но вместо этого сказала: «Спасибо, Бен».

– Окей, иди, – прохрипел он, и снова уставился в телевизор.

Я решила, что он прав, поэтому встала и пошла в комнату Кэти. Почему я должна себя чувствовать, будто меня не пригласили? Анджела здесь.

– Видишь? – спросил Эдвард, когда я подошла, – Ты надеваешь эту футболку под ту, и расстегиваешь пуговицы, и теперь на тебе два цвета, а не один.

– КЛЕВО! – она сияла, глядя на вещи, которые Эдвард держал в руках.

– Ты такой умный, Эдвард! – Анджела сидела на кровати Кэти. Я чуть не закатила глаза.

Эдвард взглянул на меня и мило подмигнул, и у меня перехватило дыхание. Он может быть таким восхитительным, Когда хочет.

– Примерь, – он подал ей плечики с одеждой, и она посмотрела на него с забавным выражением лица.

www.rulit.me

Самая дорогая картина в мире. Топ 20

В 2012 году мировой арт рынок действительно был шокирован невероятно высокой ценой продажи картины "Игроки в карты" Поля Сезанна из частной коллекции греческого судовладельца Джорджа Embiricos. Самая дорогая картина в мире уехала на Восток...Кто же он, тот загадочный покупатель?

Не спешите и оцените список 20 самых дорогих картин в мире, проданных на художественных аукционах или частным образом XX-XXI веках. Вдумайтесь и осознайте, что ценится в мире дороже всего.

20 место. "Желтое, розовое, лиловое" (1950 г)  Марк Ротко - продана 15.05.2007 на аукционе Sotheby's за $72.8 млн. Его называют отцом американского абстракционизма, философом и интеллектуалом. Ротко создал философию «простого выражения сложной мысли»  и свой "бренд" - цветные прямоугольники с размытыми краями, как бы плавают на абстрактном  фоне большого прямоугольника. Его работы - это продолжение "Черного квадрата" Малевича и магии византийской мозаики. Полотна писались огромные, чтобы создать интимную атмосферу, полностью погружая зрителя в магию цвета, приоткрывая двери в потусторонний мир, в космос. «Зрители, которые проливают слезы у моих картин, переживают те же религиозные переживания, что испытывал и я, создавая их» - писал Ротко в 1965 году.

19 место. "Дармштадтская Мадонна" (1526-1528 г.г.) Ганс Гольбейн младший - продана  12.07.2011 на частных торгах за  $75 млн. Самое дорогое из произведений искусств Германии было продано сравнительно недорого, так как владелец не хотел, чтобы картина покидала страну. Существует мнение, что от лица Мадонны как будто исходит свет, невидимый глазами, но ощущаемый душой. Именно эта ее особенность послужила тому, что картину стали называть «cеверной сестрой „Сикстинской мадонны“.

18 место. "Избиение младенцев" (1611г) Петер Пауль Рубенс - продана 10.07.2002 на аукционе Sotheby's за $76.8 млн. Самая жестокая сцена библейской мифологии "истребление младенцев царем Иродом" вызвала большой ажиотаж на торгах. Владельцы, выставившие картину на продажу, были уверены, что автором полотна является ученик Рубенса и его последователь  Яна ван дер Хуке. Но неожиданно для всех, экспертиза доказала авторство самого Рубенса. При начальной стоимости 9 млн. долларов картина была продана по рекордной цене $76.8 млн. Этот факт еще раз доказывает, что стоимость произведения искусства напрямую зависит от имени автора.

17 место. "Бал в Мулен де ла Галетт" (уменьшенная авторская копия) (1876 г) Пьер Огюст Ренуар - продана 17.05.1990 на аукционе Sotheby's $78.1 млн. Французский импрессионист Пьер Огю ст Ренуар - это "единственный великий художник, не написавший за свою жизнь ни одной печальной картины", - утверждал в 1913 году писатель Октав Мирбо. "Бал в Мулен де ла Галетт" - самый яркий пример "солнечного" искусства живописца. Новаторство и уникальность картины "Бал в Мулен де ла Галетт" заключается в том, что никто до Ренуара не решался изобразить на полотне столь значительного размера сцену повседневной жизни из реального времени. Критика и враждебные нападки обрушились на автора, но время доказало ценность столь отважного поступка.

16 место. "Бирюзовая Мэрилин" (1964 г) Энди Уорхол - продана 20.05.2007 частным образом за $80.0 млн. Такая высокая цена неслучайна. "Бирюзовую Мэрилин" называют иконой поп-арта, а Энди Уорхола - родоначальником современного ПОПулярного искусства для широких масс. Начиная, как дизайнер поздравительных открыток, метеокарт и конвертов для пластинок, он нашел свой стиль шелкографии, напоминающую плохую газетную репродукцию. В этом стиле он написал серию портретов кинозвезд, в том числе свою любимую модель Мэрилин. Как Мона Лиза, теперь нам повсеместно улыбается Мэрилин с печатных репродукций Энди Уорхола. Существует пять вариантов Мэрилин в разных цветах, но почему-то "Бирюзовая Мэрилин" стала самой дорогостоящей.

15 место. "Фальстарт" (1959 г) Джаспер Джонс - продана 12.10.2006 частным образом за $80.0 млн. Она является самой дорогой картиной в мире ныне живущего художника. Американский художник и скульптор Джаспер Джонс родился 30 мая 1930 года. Его картины - это смешение абстрактного экспрессионизма, поп-арта и  нео-дадаизма (понятия не имею, что это такое). Его работы также обращены к  образам массовой культуры, предметам обыденной жизни. Например, самая известная скульптура Джаспера Джонса - две бронзовые банки из-под пива (действительно, предмет поклонения современного общества).

14 место. "Пруд с кувшинками" (1919 г) Клод Моне - продана в июне 2008 года на аукционе Sotheby's за $80,5 млн. Основоположник импрессионизма, великий живописец второй половины 19 века был еще и прирожденным садовником, влюбленным в цветы и в живую природу. В собственном пруду в Живерни Клод Моне вырастил кувшинки из семян,  специально привезенных из Японии. И в 1899 году начал серию из 60 картин "Кувшинки", которые писал до самой смерти (1840-1926 годы жизни). Зрение художника стремительно ухудшалось, он перенес две операции, но продолжал рисовать любимый пруд. «Понадобилось какое-то время, чтобы я смог понять, что собой представляют мои кувшинки. Я их высаживал и растил просто ради удовольствия, без всякой мысли, что буду писать о них картины... Восприятие живой природы приходит к нам не сразу» (Клод Моне).

13 место. "Портрет доктора Гаше" (1890 г) Винсент ван Гог - продана 15.05.1990 на аукционе Sotheby's за $82.5 млн. Портрет своего доктора Ван Гог написал буквально в последние месяцы жизни. Истинный художник пишет сои великие полотна до последнего вздоха и иначе не может. Из письма Винсента Ван Гога  своему брату:

“Господин Гаше, на мой взгляд, также болен и нервен, как я или ты, к тому же он много старше нас и несколько лет назад потерял жену; но он врач до мозга костей, поэтому его профессия и вера в нее помогают ему сохранять равновесие. Мы с ним уже подружились. Работаю сейчас над его портретом: голова в белой фуражке, очень светлые и яркие волосы; кисти рук тоже светлые, синяя куртка и кобальтовый фон. Он сидит, облокотясь на красный стол, где лежит желтая книга и веточка наперстянки с лиловыми цветами с печальным выражением лица, столь характерным для нашего времени...»

12 место. "Триптих" (1976 г) Фрэнсис Бэкон - продана в мае 2008 года на аукционе Sotheby's за $86,281 млн. Кто бы мог подумать, что этот больной астмой мальчик, отверженный отцом и в 16 лет выгнанный из дома за "постыдную склонность", любимчик фортуны и азартный игрок в рулетку, самоучка в живописи, проживет долгую и плодотворную жизнь (1909-1992). Фрэнсис Бэкон добился признания своего таланта еще при жизни, но при этом не считал рисование работой, а лишь отдыхом между постоянными кутежами, мальчиками и азартными играми. Его психоделические картины - это надрывный крик души, запертой в отнюдь не идеальном, уродливом теле человека, который погряз в своих плотских желаниях, забыв о своем уникальном высшем предназначении. Кто когда-либо задумывался о смысле своего существования, переживал те же сильные эмоции, что и Френсис Бэкон, тот поймет его "ужасные картины". Кстати, говорят, что "Триптих" по столь рекордной цене купил сам  Роман Абрамович, который за свои дорогостоящие приобретения в последние годы, назван самым влиятельным коллекционером произведений искусства.

11 место. "Оранжевое, красное, жёлтое" (1961 г) Марк Ротко - продана 08.05.2012 на аукционе Sotheby's 86.882.500 $. Картина относится к яркому периоду творчества американского экспрессиониста. Однако в конце своей жизни, когда к нему уже пришла известность, художник впадает в глубокую депрессию. Это уже сплошное серое на черном в различных вариантах. Сказались многолетние непонимание и обвинения, многочисленные судебные тяжбы с обидчиками и подорванное здоровье. Ротко уже не видит иного выхода и пишет свою последнюю трагическую картину самоубийства. Его нашли обнаженным в огромной луже крови в своей студии около картины "Красное на красном".

10 место. "Портрет Адели Блох-Бауэр II" (1912 г) Густав Климт - продана 08.11.2006 на аукционе Sotheby's за $87,9 млн. Австрийский модернист Густав Климт возглавил авангардное сообщество "Сецессион", выступавшее против "эстетического консерватизма и морализаторства предыдущего поколения". Его картины, посвященые красоте и эротизму женского тела, шокировали публику своей изысканной непосредственностью. Но при этом  Густав Климт был признанным и востребованным, как в правительственных кругах, так и среди богатой знати. Его полотна всегда были  желанным украшением интерьера самых роскошных домов в начале XX века, да и сейчас!

9 место. "Дора Маар с кошкой" (1941 г) Пабло Пикассо - продана 03.05.2006 на аукционе Sotheby's за $95,2 млн. Звезда парижской художественной богемы 30-40-х годов, экстравагантная женщина-фотограф Дора Маар была музой и возлюбленной Пикассо на протяжении семи лет. За весь период этой скандальной "lav story" Пикассо написал множество ее портретов  графических, классических и кубистских, в шляпе, с зелеными ногтями и в образе химеры. Портрет "Дора Маар с кошкой" был написан уже в завершении их романа, поэтому здесь Пикассо очень гротескно и символично передал всю надменность и экзальтичность своей музы. По достоинству оценил и приобрел это произведение российско-грузинский бизнесмен Борис Иванишвили.

8 место. "Восемь Элвисов" (1963 г) Энди Уорхол - продана в октябре 2008 года частным образом  за $100,0 млн. Серия картин, посвященных поп-кумирам, была пиком творчества Энди Уорхола. Уже в 1968 году радикальная феминистка и актриса Валери Соланас выстрелила в Уорхола три раза. В результате он стал практически инвалидом, но отказался давать обвинительные показания в полиции. После этого покушения произведения Энди Уорхола стали более дипрессивными. Умер король поп-арта в 1987 году, прожив 58 лет.

7 место."Мальчик с трубкой" (1905 г) Пабло Пикассо - продана 04.05.2004 на аукционе Sotheby's за $104,1 млн. Картина относится к самому раннему и поэтому наиболее дорогостоящему периоду творчества мастера.

6 место. "Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев" (1932 г) Пабло Пикассо - продана 05.05.2010 на аукционе Sotheby's за $106,5 млн. В сюрреалистический период музой для творчества Пикассо становится очаровательная семнадцатилетняя Мария-Тереза Вальтер. С нее он лепит величественные женские бюсты, пишет чувственные, пронизанные эротизмом картины. Веселый и мирный характер Марии-Терезы позволил ей смирится с ролью красивой игрушки в руках мастера. В 1935 году она родила дочь, но Пикассо по-прежнему не воспринимал ее серъезно. А в 1936 году Пикассо уже знакомится с экстравагантной Дорой Маар и Мария-Тереза уходит на второй план. Но любовь к мастеру и преклонение перед ним было настолько сильным, что спустя 4 года после его смерти Мария-Тереза повесилась в своем гараже. Такова печальная история этой безответной любви, навеки запечатленная в полотнах.

5 место. "Крик" (1932 г) Эдвард Мунк - продана 02.05.2012 на аукционе Sotheby's за  $119 922 500. Одна из четырех версий норвежского художника-экспрессиониста выполненная в технике "пастель" (т.е. восковыми мелками). Созданная на стыке веков, она стала эмблемой экспрессионизма и прелюдией к модернизму XXI века. Отчаянный крик одиночества, отчужденности и  обреченности, словно предвестник будущих войн, революций и экологических катаклизмов предстоящего столетия. При всей своей обезличенности и примитивизированности образ кричащего настолько эмоционален, что стал вдохновение для фильмов, пародий и арт коллажей современного искусства.

4 место. "Портрет Адели Блох-Бауэр I" (1907 г) Густав Климт - продана 18.06.2006 частным образом за $137,5 млн. Ее называют "Золотая Адель" или "Австрийская Мона Лиза". Вдохновленный поездкой в Италию, византийской мозаикой, богато украшенной золотом в 1903 году Климт приступает к работе над портретом Аделии. Было сделано более 100 набросков, прежде чем художник добился идеального положения рук, тела и взгляда прекрасной Аделии.

3 место. "Женщина III" (1953 г) Виллем де Кунинг - продана 14.08.2006 частным образом 

за $137,5 млн. Серия картин абстрактного экспрессиониста под название "Женщина" вызвала бурю недовольства даже среди поклонников мастера. Но настоящие ценители утверждают, что возникает разительный контраст в ощущении при просмотре полотна на расстоянии и вблизи. Издалека эти женщины кажутся жестокими амазонками, воплощением силы природы и вряд ли соблазнительными. Вблизи же картина захватывает в свое динамичное пространство формы, цвета и мазка. Женщина, как бы прячется в окружающем пространстве и ее уже трудно разглядеть в беспорядочном хаосе "мазков-ударов". Действительно психологический шедевр абстрактного экспрессионизма, достойный фрейдистского анализа. Представленная картина - единственная из всей серии, оставшаяся в частной коллекции.

2 место. "№ 5" (1948 г) Джексон Поллок - продана 02.11.2006 частным образом за $140 млн.  С 2006 года по 2012 год оставалась самой дорогой картиной в мире, поэтому заслуживает особого внимания критиков. Джексон Поллок - лидер и идеолог абстрактного экспрессионизма, сформировавшегося как отличительный стиль в 40-х годах в Нью-Йорке.  Самые противоречивые оценки его творчества лишь подтверждают его гениальность."Моя живопись никак не связана с мольбертом. Я едва ли хоть раз натягивал холст на подрамник. Я предпочитаю прибить холст к стенке или полу. Я должен чувствовать сопротивление твердой поверхности. На полу легче всего. Я чувствую себя ближе к живописи, ее частью, я могу ходить вокруг нее, работать с четырёх сторон и буквально быть внутри нее. Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь." Джексон ПоллокСальвадор Дали так охарактеризовал его в своём «Дневнике гения»: «Поллок: Марсельеза абстрактного. Романтик праздников и фейерверков, как первый ташист-сенсуалист Монтичелли. Он не так плох, как Тёрнер. Ведь он ещё большее ничто».

Очень хочется повернуть ее горизонтально, но нельзя...

1 место. И, наконец, самая дорогая картина в мире, проданная в феврале 2012 года  из частной коллекции греческого судовладельца Джорджа Embiricos, "Игроки в карты" (3-я картина серии, 1892-1893) Поль Сезанн. Невероятная стоимость $250 млн., превышающая прежний рекорд почти в 2 раза,  всколыхнула мировой арт рынок и значительно подняла планку последующих сделок. Чем же примечательна самая дорогая картина в мире?Серия из 5 картин "Игроки в карты" относится к позднему и самому зрелому периоду творчества   французского постимпрессиониста Поля Сезанна. Фанатичный трудоголик, мнительный и нелюдимый Сезанн лишь в живописи находил вдохновение и излечение от фобий и противоречий окружающего мира. Его неповторимый стиль - это  своеобразное примирение классики и современности, переход от импрессионизма к кубизму. Несколько лет назад картина "Игроки в карты" №3 была названа  одной из лучших работ  в мире, которая находится ​​в частных руках. Наверное, с этим и связана столь рекордная в мире арт-рынка цена сделки. Кто же покупатель? Королевская семья Катара приобрела картину для национального музея. И снова нас удивляет Ближний Восток!

Вы удивлены, а может даже возмущены приведенным списком самых дорогих картин в мире? "Разве это искусство, каждый может такое намалевать!" Давайте не будем простыми обывателями и осознаем, что ценность любого произведения искусства в уникальности, а не в совершенстве. Именно уникальность произведения человеческого труда ценится превыше всего в любые времена. Настоящий мастер вкладывает в работу свою душу, переживания и эмоции и каждый своим неповторимым образом. Как ребенок, который просто водит карандашом или малюет красками, и получает огромное удовольствие от буйства цвета и линий. Хорошие родители, конечно , похвалят своего маленького живописца и оставят его первую работу на память. Ведь она уникальна и неповторима - в ней радость и счастье, она самая дорогая картина в мире для вашей семьи.

Источник рейтинга: материал из Википедии "Список самых дорогих картин в мире"

www.dd-space.com

Эдвард Мунк – парадоксальный художник

Эдвард Мунк родился (1863-1944 гг.) в Лэтене (норвежская провинция Хедмарк), в семье врача. Вскоре семья переселилась в столицу. В 1879 г. по желанию отца Мунк поступил в Высшую техническую школу. Но, осознав свое художественное призвание, он бросил школу и начал изучать основы художественной грамоты у известного скульптора Юлиуса Миддельтуна. Но уже через год он покинул школу Миддельтуна и в 1882 г. начал посещать в числе других молодых художников ателье Кристиана Крога. Крог был главой группы художников-реалистов, позже стал директором Академии художеств в Осло и председателем Союза норвежских художников. Мунк упорно учился. В 1884 г. он совершенствовался в Модуме у Фритса Таулова — пейзажиста, одного из наиболее интересных художников-импрессионистов в Норвегии, который давал уроки живописи на открытом воздухе. И Крог, и Таулов обучали Мунка не только мастерству. Именно здесь началось увлечение пейзажем — наиболее распространенным жанром национальной живописи. Среди крупных норвежских художников — старших современников Мунка — были Эрик Вереншёлль, Герхард Мунте, Ханс Хейердал. С их именами, к которым следует причислить и учителей Мунка, связан подъем норвежского изобразительного искусства последней трети ХIХ в. Будучи представителями нового поколения, они стремились преодолеть те влияния, которые ранее были привнесены на национальную почву из художественных центров Германии — Дюссельдорфа и Мюнхена. В 80-е гг. ориентация норвежского искусства меняется. Теперь центром притяжения становится Париж, творчество норвежских мастеров развивается под воздействием иных импульсов, освобождаясь от сковывающих его условностей и канонов. Такова была идейно-художественная ситуация, предопределившая начало пути Мунка. Вместе с тем мировоззрение художника формировалось не изолированно от всей общественной обстановки, которая складывалась в Норвегии под воздействием процесса интенсивного развития капитализма и роста рабочего движения. На мировоззрение Мунка на первом этапе его развития немало повлияло общение с известным норвежским писателем Хансом Йегером, лидером кружка «Движение богемы». Мунк отнюдь не разделял все идеи этого кружка, исповедовавшего крайний индивидуализм. Однако в первые годы юности у Мунка появился ряд полотен («На другой день», «Переходный возраст» и другие), которые вызвали возмущение буржуазной критики безнравственностью темы.

Важным для Мунка оказался 1889 г. В этом году состоялась его первая персональная выставка в Христиании (Осло). Ранние работы мастера были написаны главным образом в русле творческих интересов национального искусства, они близки живописи его учителей и других норвежских пейзажистов и портретистов. Это были первые опыты художника. Формирование творческой индивидуальности Мунка происходило в контактах и с другими ведущими европейскими школами и художественными движениями эпохи. Определенную роль в этом сыграло его знакомство с новым французским искусством. Уже в середине 80-х гг. XIX в. Мунк совершил первую поездку во Францию, а с 1889 по 1892 год он жил преимущественно в этой стране. В Париже Мунк посещал студию Леона Бонна, где началось увлечение художника импрессионистической живописью. Обретение художником своего стиля происходило и не без влияния живописи Поля Гогена, в которой он воспринял необычность цвета, декоративность колорита и мир поэтических символов Гогена. Тема человека и природы появляется в раннем творчестве Мунка. В сущности его картины 80-х гг. носят пейзажный характер. В них уже намечается стремление художника к обобщению, разумеется, еще не доведенному до уровня символа: запечатленный им конкретный мотив приобретает значительность, напряженный лиризм. Главным становится передача состояния, психологии, а не события. Причем, эмоциональный акцент вносит образ человека, определяя настроение пейзажа. Природа для Мунка — особый мир, живущий по своим законам, та одухотворенная среда, в которой протекает жизнь человека. Все эти тенденции будут иметь свое продолжение впоследствии, уже в чистых пейзажах.

В 1889 г. Мунк пишет картину «Весна». Ничто здесь не отвлекает внимания от главного. В центре композиции в кресле с высокой спинкой изображена больная девочка, немощная, с усталым бледным лицом и худыми слабыми руками. Рядом с ней — мать. В распахнутое, уставленное цветами окно врывается свежий ветер. Луч весеннего солнца пронизывает комнату, бросая яркие блики на предметы, на исполненные страдания и печали лица. Эмоциональная выразительность картины строится на контрасте двух интонаций — оптимистической и трагической, художник показывает медленное угасание жизни вопреки радостному возрождению природы.

 

Эдвард Мунк

Весна (1889 г.)

 

Образы больных и умирающих не раз появлялись на полотнах раннего Мунка. Несомненно, они не только отражали внутреннее состояние художника, но и были навеяны безрадостными событиями его детства: Мунк в пять лет лишился матери, через несколько лет умерли старшая сестра Софи и брат Андреас. Теме медленного угасания жизни посвящена целая сюита полотен и гравюр «Больная девочка», в которых конкретный сюжет как бы становится воплощением различных душевных состояний: просветленности, грусти, боли, безысходности. Постепенное развитие темы, поиски ее различных решений, вариации одного и того же мотива являются неотъемлемой частью творческого метода художника. Отсюда многочисленные повторения одного сюжета, цикличность работ мастера. Мунк создает произведения большой жизненной правды и человечности, выражающие его трагическое ощущение жизни. С 1886 по 1936 год художник повторил «Больную девочку» восемь раз.

 

парадоксальный художник

Больная девочка (1896 г.)

 

Особое место в творчестве Мунка занимают 90-е гг. Именно в это десятилетие он создает произведения, в которых тема страдания, одиночества приобретает подчеркнуто мрачную окраску. Безрадостным, глухим к чужому несчастью представляется художнику мир, который он воплощает в веренице символических образов. Пластический язык Мунка приобретает крайнюю напряженность. Большое значение художник придает ритмической структуре гравюры или картины: резкому звучанию линий, силуэтов, пятен. Формальные приемы, которые использует Мунк, вытекают из особенностей его мировосприятия, подчеркнуто трагического и эмоционально обнаженного. Особую экспрессию образу придает повышенно эмоциональное звучание цвета. В литографии «Смерть в комнате больного» реальные предметы, фигуры людей превращаются в контрастные пятна черного и белого, пространство комнаты едва обозначено распределением резких силуэтов застывших фигур, лица уподобляются скорбным маскам, символизирующим человеческое горе. Мунк выводит изображенную сцену за рамки частного события. Полностью исчезает индивидуальная характеристика персонажей. Скорбь, которая ощущается в фигурах и лицах, становится здесь символом безысходной трагедии. Помимо этой литографии существует ряд других работ — живописных и графических вариантов той же темы, в которых прослеживаются изменения художественных приемов.

 

Смерть в комнате больного (1896 г.)

 

Напряженная динамика пространства, решенного резкими контрастами планов, извивающиеся линии фьорда и неба, необычные краски всего пейзажа, полыхающего красным цветом в картине 1894 г. «Страх», свидетельствуют о новых творческих принципах Мунка. Несколько вариантов этой композиции показывают развитие замысла художника. От картины к картине он усиливает экспрессию живописи, где главным средством драматизации образа становится цвет. Его повышенная активность, условность, фантастичность преображают обыденную реальность, придают метафорическое, символическое значение сюжету. В картине «Страх» пронзительное звучание цвета рождает ощущение мучительной тревоги. Подобно призракам, движутся на зрителя гуляющие горожане. Трудно различить их фигуры, сомкнутые в единую массу-толпу, трудно различить лица, превратившиеся в застывшие маски, прячущие страх. Лишенные индивидуальности, безликие образы людей – своеобразный гротеск, к которому прибегает художник. Преувеличение по существу преображает реальный облик людей до степени причудливого, ирреального, наделяя их мрачной символикой. Безрадостным, бездушным и угнетающим представляется художнику мир.

 

Страх (1894 г.)

 

В эти годы в живописных и графических работах Мунка, в системе его художественного мышления выявляются черты символизма. Новое образное отражение действительности в области пластических искусств реализуется в формах условных, трансформирующих реальность, главным образом в виде живописной системы модерна. В творчестве Мунка можно найти многие характерные темы и сюжеты модерна, которые приобретают у него яркое своеобразие. Следует подчеркнуть в то же время, что они были обусловлены как реальными обстоятельствами жизни, так и мироощущением художника. Он избирает наиболее острые проявления жизни и человеческих страстей: в гравюре «Одинокие» воплощена тема отношений мужчины и женщины, где в застылых фигурах таится тревожное ожидание; терзающее человека чувство становится содержанием литографии «Ревность»; жажда единения, преодолевающая мучительную отчужденность и страх одиночества, звучит в гравюре «Поцелуй».

 

Одинокие (Двое) (1899 г.)

Ревность (1896 г.)

Поцелуй (1897-1898 гг.)

 

Особенно яркое выражение образная система символизма нашла в цикле произведений под общим названием «Фриз жизни» — своеобразная поэма о жизни, любви и смерти. В символических и монументальных образах «Фриза жизни» прослеживаются изначальные и заключительные фазы жизненного цикла, осмысливается жизнь человека как драма его души. Именно в этот период наступает пора зрелости, полностью раскрывается талант художника. Его живописные и графические работы достигают высокого совершенства. Пластический язык обретает исключительную силу. Образы, полные драматизма и тревоги, порой отмеченные печатью гротеска, но основанные на жизненных впечатлениях, несут в себе размышления о судьбе человека, смысле бытия.

 

Пепел (Прах) (1894 г.)

Женщина и мужчина (1896 г.)

Мужчина и женщина (1905 г.)

Мужчина и женщина (1912-1915 гг.)

 

В 1893 г. Мунк пишет картину «Крик», повторенную затем в нескольких версиях в живописи и графике, и определившую характер творческого развития художника в 90-х гг. ХIХ в. Одинокая человеческая фигура кажется затерянной в огромном гнетущем мире. Очертания фьорда лишь намечены извилистыми линиями — пронзительными полосами желтого, красного и синего. Диагональ моста и зигзаги пейзажа создают мощную динамику всей композиции. Лицо человека — застывшая безликая маска. Он издает вопль. Противопоставлением трагической гримасе его лица даны мирные фигуры двух мужчин. Живопись Мунка достигает здесь исключительной энергии и напряженности, а эмоции — остроты и обнаженности. Полотно уподобляется пластической метафоре отчаяния и одиночества. Картина стала важной вехой не только в творчестве Мунка, но и в европейском искусстве той поры. В «Крике» была заключена целая программа, намечавшая путь вперед. Предельное напряжение чувств, трагизм образа, ощущение крушения мира и активность живописного языка, преодолевшего иллюзорное, натуралистическое видение, — все это признаки нового, еще не родившегося искусства наступающего XX в. Пройдет несколько лет, и образно-стилистические тенденции, заложенные в этой картине, продолжат художники-экспрессионисты.

 

Крик (1893 г.)

Крик (1895 г.)

Меланхолия (Желтая лодка) (1891-1892 гг.)

На мосту (1893 г.)

 

Творческая судьба Мунка, в особенности в начальном периоде, была связана с Германией. Впервые Мунк приехал сюда в 1892 г., несколько последующих лет он провел преимущественно в Берлине. До 1907 г. Мунк бывал и в других немецких городах — Варнемюнде и Гамбурге, Любеке и Веймаре. Не случайно их облик художник запечатлел в своих произведениях, создав сюиту городских видов. Старинные немецкие городки предстают в аскетическом ритме высоких башен и островерхих фасадов домов. В Германии у Мунка было много друзей. Здесь он получал заказы и продавал свои произведения. Здесь пришла к нему слава и была издана первая книга о его творчестве. В Германии Мунк вошел в среду писателей и художников, объединившихся вокруг журнала «Пан», который поддерживал новые веяния в литературе и искусстве. Среди них были шведский писатель и художник Август Стриндберг, польский поэт Станислав Пшибышевский, немецкий историк искусства Юлиус Мейер-Грефе, сыгравшие определенную роль в творческом развитии Мунка.

 

Мадонна (1894-1895 гг.)

Вампир (1895-1902 гг.)

 

Особенно важным в биографии Мунка является 1892 г. Осенью этого года в Берлине была открыта персональная выставка норвежского мастера. Приглашение исходило от Берлинской ассоциации художников. Тогда Мунк еще не занимался гравюрой, и на выставке было представлено свыше пятидесяти его живописных работ. Выставка стала событием в художественной жизни Берлина. Смелая независимость Мунка, перешагнувшего узкие рамки натурализма, вызвала бурю негодования. Разразившийся скандал привел к расколу Берлинской ассоциации художников. Все эти обстоятельства способствовали широкой известности Мунка сначала в Германии, а потом и за ее пределами.

В 1900-х гг. в творчестве Мунка намечается сдвиг, приведший в дальнейшем к принципиально новым акцентам в его искусстве. Новые черты заметны уже в картине «Метаболизм» 1899 г., в которой на фоне пейзажа изображены примиренные мужчина и женщина. Полотно вошло в цикл «Фриз жизни». Художник стремится освободиться от магнетизма пессимистического настроения, поверить в иные силы. Не случайно в процессе работы над полотном он отказывается от мрачных смысловых атрибутов, хотя и они трактованы неоднозначно: череп животного буйно прорастает листвой, погребенное в земле тело, как щупальцами, объято корнями дерева. Живое побеждает смерть. Картина становится символом вечного возрождения жизни. Она была создана в преддверии нового этапа творчества Мунка, в период, когда постепенно стихают мрачные ноты, исчезают мотивы отчаяния и одиночества, так долго звучавшие в его работах. На смену приходит пафос утверждения жизни. Это было время, когда художник преодолевает тяжелый внутренний кризис.

 

Метаболизм (1896-1898 гг.)

 

В 1909 г. Мунк после пребывания в клинике, вызванного многомесячной нервной депрессией, возвращается на родину. В поисках тишины и покоя он стремится к уединению – некоторое время живет в Осгорстранне, Крагерё, Витстене, на небольшом острове Йелэйя, а затем в 1916 г. приобретает имение Экелю, севернее норвежской столицы, которое он не покидал уже до конца своих дней. После 1900 г. одним из ведущих жанров в творчестве художника становится портрет. Мунк, обладавший тонким даром психолога, был большим мастером этого жанра. Мунк не писал портреты тех людей, которых плохо знал, фиксация внешнего сходства его не удовлетворяла. Портреты художника — исследование человеческой души. Как правило, Мунк создавал портреты тех, с кем находился в дружеских или реже — в деловых отношениях. Со многими из портретируемых он был связан узами творческой дружбы. Исключение составляют портреты Фридриха Ницше 1906 г., сочиненные художником после общения с сестрой известного философа. Портреты Мунка строги и аскетичны, порою лиричны. Они свободны от излишней повествовательности. Художник избегал подробного описания, второстепенных деталей, разработанного сложного фона. Его внимание всегда сосредоточено на лице модели, психологической характеристике человека, как правило, наделенного напряженной внутренней жизнью и духовной энергией. Одним из лучших среди живописных портретов Мунка является написанный им в 1909 г. портрет профессора Даниэля Якобсона — врача, лечившего художника. Портрет обращает внимание остротой характеристики образа и новыми особенностями живописной манеры, которая складывается к концу первого десятилетия ХХ в. Фигура Якобсона изображена на фоне напряженной симфонии желтых и красных тонов. Энергичный рисунок подчеркивает выразительность позы и жестов. Живопись сохраняет экспрессию, приобретая вместе с тем признаки нового: портрет написан темпераментной, широкой и свободной кистью. Буйство красок, динамичная фактура — приемы, в которых отчасти возрождаются импрессионистические принципы, но на иной основе. Художник претворяет здесь завоевания художественной культуры нового времени, прибегая к вангоговской напряженности колорита.

 

Портрет консула Кристена Сандберга (1901 г.)

Ибсен в кафе Гранд-отеля в Христиании (1902 г.)

Портрет Фридриха Ницше (1906 г.)

Профессор Даниэль Якобсон (1909 г.)

 

В работах Мунка второго десятилетия ХХ в. получают развитие постимпрессионистические явления. Живописная манера Мунка, отражающая его субъективное эмоциональное состояние, отличается широким мазком, энергичной фактурой, а также сохраняет драматизм цвета, динамичное построение пространства. Стилизация формы утрачивает отныне подчеркнутое плоскостно-орнаментальное начало. Но основная линия творчества меняет свой характер и развивается теперь с небольшими отклонениями. Известно, что после изменения живописной манеры художнику стало трудно продавать свои картины. Даже тогда, когда он стал художником с мировым именем, покупались в основном его ранние произведения. Поэтому случалось, что в период 1930-1940-х гг. Мунк ставил на них даты на десять-пятнадцать лет раньше. Цены на ранние картины Мунка беспрерывно росли. Все чаще Мунк обращается к теме труда, в его живописи и графике появляются образы рабочих, рыбаков, крестьян.

 

Изобилие (1899-1900 гг.)

Весенние работы (Крагерё) (1910 г.)

Лесоруб (1913 г.)

Весенняя пахота (Экелю) (1916 г.)

 

Творческий дар художника ярко проявился и в таком виде искусства, как монументальная живопись. В течение 1909-1916 гг. Мунк работал над циклом декоративных панно для актового зала университета в Осло (Христиании), приуроченным к его столетнему юбилею. Мунк стремился простым и понятным языком этих произведений рассказать о Норвегии. В композиции «История» изображен старец под сенью гигантского дуба — «древа жизни», рассказывающий историю своей страны. В центре панно «Альма матер» помещена фигура женщины-матери с младенцем на руках, вокруг нее — фигуры играющих и купающихся детей. Панно «Солнце», навеянное симфонической поэмой Рихарда Штрауса «Заратустра»‚ находится на центральной стене актового зала. Золотой нимб гигантского раскаленного солнца, посылающего свои лучи на землю, художник изображает на фоне спокойного фьорда и могучих вздымающихся скал. Мунк создает здесь героический образ норвежского пейзажа. Мунк не случайно обращается к этому образу, источнику силы, утверждающему жизнь. Теперь мрачные, трагические видения, господствовавшие в работах рубежа веков, вытесняются образами света и солнца. В них утверждаются картины мира, исполненного ясности и гармонии.

Вслед за первым опытом в монументальной живописи последовал второй, не менее важный для определения позиции художника, его взгляда на общественное, воспитательное значение искусства. В 1921-1922 гг. Мунк выполняет монументальные росписи в рабочей столовой на шоколадной фабрике «Фрейя» в Осло. Однако задуманный им «Фриз рабочих» не был осуществлен. Эта тема отражена в многочисленных сохранившихся эскизах художника. Работа над ней продолжалась в 1927-1933 гг., в это же время Мунк включается в конкурс на декоративное убранство столичной ратуши. Художник хотел показать рабочих на строительстве, труд уличных рабочих, уборщиков снега. Проект остался нереализованным. Позже новым поколением норвежских художников, которые использовали и творческий опыт Мунка, в ратуше был выполнен весь комплекс монументально-декоративных работ. Монументальное творчество Мунка положило начало созданию национальной школы монументальной живописи, а также позволило считать его одним из выдающихся мастеров европейского монументального искусства ХХ в.

Представление о творческой индивидуальности Мунка будет неполным, если не сказать о его многочисленных графических и живописных автопортретах. В них запечатлен духовный путь мастера. Некоторые из них — своего рода монологи-исповеди, обнажающие чувства, другие — сдержанные, отмеченные некоей формой отчуждения, затрудняющей проникновение в глубину. Художник то достоверно описывает свой облик, то отказывается от буквального полного сходства, а скорее стремится создать психологически адекватный портрет, отмеченный напряженным лиризмом. В «Автопортрете» 1905 г., исполненном уверенной кистью мастера, художник подчеркивает большое портретное сходство. Это время зрелости, пора успеха и обретения самого себя. В энергичных, волевых чертах лица таятся тревога и напряжение. Мунк не открывает себя, он сдержан, замкнут. Иным предстает облик художника в «Автопортрете с сигаретой», наделенном некоторой долей самолюбования. В бегло намеченных чертах лица — усталость и горечь. Струящийся дым, расходящийся в концентрических кольцах фона, создающих ритмическую основу композиции, и неровный, меняющийся свет вызывают ощущение преодоления материальности, превращают изображение в видение, почти мираж. В автопортретах Мунка, романтических по духу в ранний период, полных тревоги, горечи и боли или мужественного смирения и усталости в зрелый, предстает путь его духовных странствий. В них – судьба Мунка, человека и художника, прошедшего через закат одного века и потрясения другого.

 

Автопортрет — На операционном столе (1902-1903 гг.)

Автопортрет (1905 г.)

Автопортрет с сигаретой (1908-1909 гг.)

У окна. Автопортрет (1942 г.)

 

Большое место в творчестве Мунка занимают пейзажи, главным образом, скандинавские. Художник писал преимущественно северную природу, запечатлев ее неповторимое своеобразие. Мы ощущаем величие ее скал, суровую стихию холодного моря, таинственное мерцание ночного неба. Картины природы всегда преломлены через настроение художника. Мунк наделяет природу значительностью, в ней появляется что-то необычное, завораживающее, возвышающее ее над обыденностью. Подчас этому способствуют сами избранные мотивы. Таким постоянным мотивом в живописи и графике Мунка был лунный свет, преображающий все земное, доводящий изображение до ирреального. Он часто писал ночные пейзажи, их загадочный сумрак, северные белые ночи, превращающиеся в его полотнах в некое видение, подобное сну. Мастер подчеркивает суровое величие и монументальность норвежского ландшафта, передавая его характерные особенности: небо, низко нависшее над холодным морем, безлюдные, отполированные водой и временем скалы, одинокий домик на берегу. Скупое, достоверное описание, напряженный язык черно-белой гравюры помогают художнику создать некий универсальный, вневременной образ природы. Мотивы зимнего пейзажа в живописи Мунка не редки.

 

Дым поезда (1900 г.)

Белая ночь (1901 г.)

Летняя ночь (На берегу) (1902 г.)

Солнце (1909-1911 гг.)

Пейзаж. Этюд (1912 г.)

Прибрежный зимний пейзаж (1915 г.)

Весенний пейзаж с красным домом (Экелю) (1935-1940 гг.)

 

Одной из известных серий пейзажей в творчестве Мунка являются «Девушки на мосту (Белая ночь)». Стремительные линии мостов, застылые, завороженные фигуры девушек, зеркало озера и мощные силуэты деревьев с пышными кронами переходят из одной композиции в другую. Особенностью этого пейзажа становится полное слияние человека с природой в единое одухотворенное целое, их извечная гармония. Картина «Женщины на мосту» насыщена особой экспрессией чувства, которой художник достигает при помощи напряженно звучащих, горячих красных и оранжево-желтых тонов, заливающих весь пейзаж. Условная цветовая и живописно-пластическая характеристика изображенного ландшафта рождает обобщенный образ норвежской природы, исполненный напряженного лиризма и углубленного созерцания. В этом позднем и, пожалуй, самом мажорном произведении Мунка, наполненном солнцем и светом, художник воплотил свою любовь к жизни, восхищение красотой и гармонией природы.

 

Девушки на мосту (Летняя ночь) (1903 г.)

Женщины на мосту (Осгорсранн) (1935 г.)

 

В искусство ХХ в. Мунк вошел как выдающийся мастер графики с индивидуальным творческим почерком. Его заслугой является превращение гравюры в самостоятельную область национальной художественной культуры. Большую роль в его искусстве играли литография и гравюра на дереве, меньшую — офорт, в основном занимавший его вначале. Первые гравюры Мунка появились в 1894 г. и быстро завоевали успех у коллекционеров и публики. Уже в 1895 г. Юлиус Мейер-Гдрефе издал девять офортов Мунка. Годом позже Амбруаз Воллар включил литографию «Страх» в первый том «Альбома живописцев-граверов». В 1904 г. немецкие меценаты Арнольд Литауэр и Пауль Кассирер начали продавать гравюры Мунка. В 1906 г. Густав Шефлер опубликовал первый том каталога его графических работ. В него вошло около трехсот листов. Все это в немалой степени способствовало европейской известности художника. Графика Мунка не обособлялась в отдельную, независимую сферу его творчества. Как правило, большинство сюжетов, мотивов, композиций разрабатывалось параллельно в живописи и гравюре. Причем Мунк переводил в графику работы, первоначально возникшие в живописи.

 

Дуб (1903 г.)

Мадонна с брошью (1903 г.)

Кошка (1913-1914 гг.)

 

Графика Мунка поражает разнообразием техники. За небольшой промежуток времени он овладел всеми ее видами: черно-белой и цветной литографией, разновидностями офорта, тоновой и цветной ксилографией. Многие листы выполнены в смешанных техниках, позволяющих добиться наибольшей выразительности и остроты образа. Часто художник отдает предпочтение четкой, резкой технике «сухой иглы» и жесткой обрезной гравюре на дереве. Неподатливость и жесткость материала создают особую, дополнительную напряженность образа. Мунк подчеркивает в своих ксилографиях фактуру дерева, используя ее как художественный прием. Именно он первым стал применять еловые доски, которыми увлеклись позднее экспрессионисты. Воплощая свой замысел, Мунк преодолевал любые трудности исполнения. Мунк много экспериментировал в цветной гравюре, используя при этом смешанные техники. В основе языка этих работ — лаконичная композиция, лишенная многословности, локальный цвет, решенный нередко на столкновении тонов. В цветной ксилографии «Лунный свет» 1901 г. лицо женщины, окутанное таинственностью, выхвачено мягким сиянием лунного света. Сдержанно сопоставлены холодный свет луны и четкие плоскости зеленых и теплых коричневых тонов. Лунный свет мягко отделяет легкую тень от женской фигуры и рельефно выявляет фактуру стены дома, совмещенную с материалом и линейным рисунком гравировальной доски. Преобразующая сила света, наделяющего окружающий мир таинственностью и призрачностью, его способность воздействовать на состояние души человека определяют содержание этого листа.

 

Лунный свет (1901 г.)

 

Последние годы жизни, художника связаны с мрачными событиями европейской истории. В его судьбу вторглась война. Когда в 1940 г. гитлеровская Германия оккупировала Норвегию, Мунку было 76 лет. В этот период Мунк вел затворнический образ жизни, почти не покидал Экелю, продолжая интенсивно работать. Наступила новая полоса жизни при оккупационных властях. С ними Мунк не шел ни на какие компромиссы. Нацисты не осмелились подвергать прямым преследованиям известного художника. Мунк решительно отказался от приглашения участвовать в «почетном совете искусства» и от празднования своего 80-летнего юбилея.

Черты личности Мунка, художника и человека, ярко проступают в этих эпизодах его жизни. Они запечатлены и в письмах художника, книгах современников, его высказываниях, насыщенных острыми, подчас парадоксальными мыслями. Мунк был разным: трагичным, спокойным, тревожным. Человек трудный, неуравновешенный, даже странный, Мунк был личностью, далекой от обыденных обстоятельств бытия, но в то же время ставшей зеркалом духовных коллизий и потрясений рубежа веков. Молчаливый, нелюдимый, ироничный, мрачный и подозрительный, мягкий и обидчивый, бескомпромиссный, сомневающийся и неудовлетворенный собой — свидетельство его поисков и блужданий. Мунк трудно сходился с людьми, хотя имел достаточно друзей: предпочитая одиночество, он все-таки стремился быть среди них.

В 1963 г. к 100-летию со дня рождения художника на его родине в Осло был открыт Музей Мунка. Его творчество — это диалог художника с жизнью. Искусство Мунка неоднозначно. Как большой художник, Мунк выразил в своем творчестве острейшие духовные коллизии рубежа веков, эпохи социального смятения, когда художник не мог не ощутить неизбежность крушения старого. Новое представлялось еще тревожным, неясным. Поэтому искусство Мунка так напряженно и трагично.

 

Танец жизни (1900 г.)

Семья на дороге (1903 г.)

Четыре девочки (Осгорстранн) (1905 г.)

Обнаженная (1913 г.)

 

Сломался ваш любимый мобильный телефон Samsung и теперь вы не знаете куда обратиться со своей проблемой? В этом вам поможет ремонт samsung galaxy на Teh-Profi. Быстро и качественно от профессионалов своего дела.

art-assorty.ru

Компания Dunn-Edwards намерена наладить выпуск краски без запаха

Одной из проблем, связанных с использованием лакокрасочных материалов, является наличие запаха, который сохраняется достаточно продолжительное время. Поэтому краску с осторожностью используют в общественных учреждениях, школах и детских садах, где постоянно находятся люди. Однако американской компании Dunn-Edwards удалось создать лакокрасочный материал, который вообще не обладает запахом, не вызывает аллергии и токсикоза. Новое покрытие для интерьера, получившее название Spartazero, обладает превосходной укрывистостью и продолжительным сроком службы, а также практически не выгорает на солнце и не рассыхается, что приводит к образованию трещин. Кроме этого, работать с новой краской очень легко и удобно, так как она не растекается и очень быстро высыхает после нанесения.

Основу созданного компанией Dunn-Edwards лакокрасочного материала составляет акриловая смола, которая, в частности, используется при производстве российской краски http://www.kraski-spb.ru/ponazvaniuy/products/68-kraska-vd-va-24.html ">ВД-ВА-24. При этом Spartazero подходит для работы с любыми материалами, включая бетон, металлы и дерево. Правда, создатели нового материала отмечают, что предварительно поверхность следует загрунтовать, что обеспечит идеальный внешний вид финишного покрытия.

Предполагается, что промышленный выпуск Spartazero начнется уже в этом году, а первыми покупателями краски станут американские школы, детские сады, больницы, гостиницы и муниципальные учреждения.

Одной из проблем, связанных с использованием лакокрасочных материалов, является наличие запаха, который сохраняется достаточно продолжительное время. Поэтому краску с осторожностью используют в общественных учреждениях, школах и детских садах, где постоянно находятся люди. Однако американской компании Dunn-Edwards удалось создать лакокрасочный материал, который вообще не обладает запахом, не вызывает аллергии и токсикоза.

Новое покрытие для интерьера, получившее название Spartazero, обладает превосходной укрывистостью и продолжительным сроком службы, а также практически не выгорает на солнце и не рассыхается, что приводит к образованию трещин. Кроме этого, работать с новой краской очень легко и удобно, так как она не растекается и очень быстро высыхает после нанесения.Основу созданного компанией Dunn-Edwards лакокрасочного материала составляет акриловая смола, которая, в частности, используется при производстве российской краски ВД-ВА-24. При этом Spartazero подходит для работы с любыми материалами, включая бетон, металлы и дерево. Правда, создатели нового материала отмечают, что предварительно поверхность следует загрунтовать, что обеспечит идеальный внешний вид финишного покрытия.  

Предполагается, что промышленный выпуск Spartazero начнется уже в этом году, а первыми покупателями краски станут американские школы, детские сады, больницы, гостиницы и муниципальные учреждения.

www.kraski-spb.ru

Эдвард Генри Корбулд

Английский живописец Эдвард Генри Корбулд (Edward Henry Corbould, 1825—1905)

Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905)

Эдвард Генри Корбулд (5 декабря 1815, Лондон — 18 января 1905, Лондон) — английский живописец, акварелист, иллюстратор и скульптор.Эдвард был сыном художника Генри Корбулда, учеником Генри Сасса (Henry Sass, 1788—1844) и студентом Королевской Академии, показав более широкий интерес и к темам, и к техникам, чем его отец и дядя, тоже художник, Джордж Джеймс. Корбулд много работал в технике акварели, писал маслом и занимался скульптурой.Художник получил золотые медали Лондонского общества искусств. С 1835 по 1874 год художник регулярно выставлялся в Королевской Академии.Творчество Эдварда Генри было сосредоточено, в первую очередь, на акварели и на литературных и исторических сюжетах, которые он регулярно представлял на выставках Нового общества акварелистов с 1837 по 1898 год. Среди популярных авторов — Чосер, Спенсер, Милтон и Шекспир, среди популярных тем – библейские сюжеты и бытовые зарисовки из повседневной жизни.В 1851 году Корбулд был назначен «учителем исторической живописи» в королевскую семью. В течение 21 года Эдвард Генри преподавал рисование нескольким поколениям членов королевской семьи, многие из его лучших работ были приобретены королевой Викторией и принцем Альбертом для своей художественной коллекции, находящейся в Виндзорском замке. После отставки в королевском дворце Корбоулд зарабатывал себе на жизнь акварелями, книжными иллюстрациями и дизайном для журнала «Иллюстрированные лондонские новости». Художник также разрабатывал дизайн для новых марок (чем занимался и его отец).

Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Английский живописец Edward Henry Corbould (1825-1905) Источник: http://nnm.me/blogs/366887/angliyskiy-zhivopisec-edward-henry-corbould-1825-1905/

lavochek.net